Si el Mutek destaca en el panorama de festivales del país es porque otorga el mismo nivel de importancia a la música (la edición de este año incluye un cartel destacadísimo con gente como Squarepusher, Alva Noto, The Orb o Nina Kraviz) que al aspecto visual de las presentaciones. Las sesiones A/Visions, con sendas presentaciones en el Domo Digital del Papalote Museo del Niño y el Auditorio Blackberry, así lo demuestran.
En la primera sesión, destaca la participación de Diagraf, Ewerx y Wiklow (los nombres artísticos de Patrick Trudeau, Ehsan Rezaie y Michael Dean, respectivamente) presentando el proyecto Liquid Architecture. Con experiencia en diversos campos artísticos (desde el cine y la música hasta el diseño y la programación), su set, más que un simple concierto, promete ser una experiencia inmersiva, donde sonido e imagen se despliegan y afectan mutuamente. Detrás de su obra existe una honda reflexión sobre las prácticas estéticas, que puede entreverse en la siguiente conversación, en exclusiva para La Tempestad.
Tengo la impresión de que, en su desarrollo histórico, la electrónica ha pasado de ser una experiencia racional a una corporal. Si están de acuerdo, ¿por qué creen que ha sucedido? ¿Qué tan importante es para ustedes el cuerpo al momento de construir narrativas estéticas?
Diagraf: Creo que mucho de ello se debe a las posibilidades otorgadas por la tecnología. Anteriormente la electrónica era más cerebral, más fría, si quieres, pero ahora llegamos al punto en que las herramientas nos permiten tener una experiencia que todavía es cerebral pero que tiende hacia lo sensitivo, incluso a lo visceral.
Wiklow: Concuerdo completamente. En lo personal, tanto a nivel visual como sonoro siempre me han fascinado los efectos perceptivos. Creo que, definitivamente, hay una conexión profunda con nuestra fisiología y por ello trato de sincronizarla con las frecuencias que usamos en nuestra obra.
D: El medio, además, facilita el desarrollo de una experiencia de este tipo. En el Domo Digital desarrollaremos un trabajo de tipo inmersivo, de forma que te transporte físicamente a otro espacio, al punto que puedas tener sensaciones de vértigo y sentir, efectivamente, que te mueves en el espacio.
Es cierto, por otra parte, que estamos rodeados, como nunca, de tecnologías de la imagen. ¿Qué papel asumen en este escenario? ¿El de una suma, el de una recombinación, el de una sustracción?
D: Sí, es cierto que estamos saturados, pero creo que este escenario nos provee de más ideas, de más material. Más cosas para encontrar nuevos límites, y para poder trascenderlos también. Las imágenes pueden ser opresivas, pero es una situación que relaciono con el terreno de la publicidad, por ejemplo. Creo que nosotros operamos en sentido inverso, tratando de tomar esas imágenes y subvertirlas.
Ewerx: Y al mismo tiempo crear una imaginería que normalmente no verías. Nuevas experiencias visuales que generen una novedad.
Ewerx, Wiklow y Diagraf. © Mutek
Su trabajo, tanto a nivel visual como sonoro, es mayormente abstracto. Pero, ¿es posible desarrollar estructuras narrativas a partir de él? ¿Buscan hacerlo?
D: Sí, totalmente. Hay una cierta cantidad de elementos referenciales en nuestro trabajo. Nunca es tan claro de qué tipo de narrativa se trata, es decir, no es una historia evidente, pero definitivamente está presente, incluso si proviene de algo abstracto.
W: El método para contar una historia no es necesariamente tradicional. En una película, por ejemplo, puede ver el desarrollo de los personajes. Las referencias usadas en nuestras piezas hacen que la historia la construya la persona que la experimenta, por lo que puede haber tantas historias como personas involucradas.
D: Creo que, en este caso, es útil el concepto de viaje: dónde estás al inicio de la pieza y dónde estás cuando terminas. Con suerte, estás en otro lugar, has sido transformado. Incluso si la historia no tiene sentido, incluso si los elementos narrativos no son claros.
Patrick, alguna vez, para describir tu trabajo como VJ, escribiste, y te cito: “Somos cineastas en reversa: editando en vivo y elaborando artesanalmente la película para la banda sonora”. ¿Podrían especificarme la influencia del cine en su obra?
D: Creo que esa descripción aún es útil. Cuando haces una película comienzas, con elementos básicos, un proceso de construcción. Con las imágenes elaboras planos, con los planos elaboras escenas y esas escenas se transforman en la película. El trabajo del VJ, con la manipulación de imágenes en vivo, toma esos elementos y los separa nuevamente, deconstruyéndolos hasta sus aspectos más pequeños, para reconstruirlos y remodelarlos en nuevas configuraciones.
W: Otra cuestión de la que hablamos frecuentemente es el uso de leitmotivs que, en el contexto de una presentación en vivo, a veces ni siquiera sabes que van a funcionar como tales. A veces se utilizan figuras, por ejemplo, un círculo rojo que contrasta fuertemente con el resto del desarrollo visual, y que aunque no aparezca todo el tiempo, termina de redondear la experiencia. Todas las formas subsecuentes, en relación con esa primera forma, comienzan a tener sentido.
E: Yo encuentro ese elemento deconstructivo que menciona Patrick en las herramientas generativas [generative tools]. Es decir, ya no sólo estás reaccionando a la música y tratando de crear una narrativa para ella, sino también reaccionado a los sistemas generativos que no están completamente determinados, sino que están teniendo un comportamiento particular.
Más allá del cliché, que se daba sobre todo en la cultura del rave, del concierto como un ritual y del DJ como una especie de predicador. ¿Hay aspectos rituales que les interesen desarrollar mediante su obra?
W: Para mí se relaciona con sentir una experiencia fuera del tiempo. Salir de tu atención normal hacia el mundo. En estos sets, a veces siento que ya no estoy más dentro de mi cabeza, y estoy sólo en el momento, concentrado en lo que está pasando. Entonces sí, para mí se convierte en un ritual que te lleva a un lugar que es meditativo, en cierto punto. Eso: estar fuera del tiempo.
D: La idea del ritual es ponerte en un estado mental alternativo, de forma que te permita, de alguna forma, trascender tus condiciones presentes. Es algo que intentamos hacer, no sé qué tan exitosos seamos, pero lo intentamos: generar otra realidad.
W: Algo que siempre me ha fascinado es el uso de la repetición de ritmos, para romper la percepción del tiempo. Me gusta pensar que en la música tecno hay un momento en que el tiempo se detiene, que no avanza ni retrocede.
Creo que, tal vez, la cultura electrónica ha exagerado en presentarse como la portadora de la tecnología del futuro porque, primero, utiliza tecnología que está muy generalizada en el presente y también mucha que el progreso tecnológico ya califica de anticuada. ¿Cómo se relacionan con estas nociones del tiempo?
D: Es un tema muy complejo. Si pensamos en la historia del cine, por ejemplo, hay un punto en que todos los elementos que en su momento fueron muy innovadores, dejaron de ser el tema central y se volvieron secundarios. Creo que estamos en un punto en que las herramientas electrónicas se están moviendo hacia ese espacio secundario, hacia el fondo, y las estamos trascendiendo en pos de la creación.
E: La tecnología siempre está progresando; la forma de utilizarla también, pero en un camino alternativo. Alguien, el día de hoy, puede encontrar una forma innovadora de utilizar casetes, por ejemplo. Son dos caminos diferentes: la línea del tiempo de la tecnología disponible y la que construyen, bajo sus propias reglas, los usuarios.
D: Aunque yo apuntaría, para terminar, que considero que mi proceso sí está más relacionado con el futuro. Aunque esté enraizado al presente, mira al futuro, y siento que eso lo hace optimista. Porque si me interesa construir un mundo futuro, eso presupone que tenemos un futuro, que no vamos a destruirnos. Es decir, las tradiciones no pierden su valor, se reincorporan y cambian apuntando al devenir.
Liquid Architecture Teaser from Diagraf on Vimeo.
